ZEITGENÖSSISCHE KUNST
 

Öl auf Styropor. Auf der Rückseite eines Exemplars befindet sich ein Etikett der Mailänder Ausstellung von 1974 mit den Daten des Werks und dem Titel „Spazio rosso“. Roberto Ciaccio hatte einen zutiefst konzeptuellen künstlerischen Weg, der ihn zu Ergebnissen reiner Abstraktion führte. Er experimentierte mit verschiedenen Materialien und Techniken, vor allem aber war seine Forschung interdisziplinär und beschäftigte sich oft mit Philosophie, Musik, Poesie, Architektur. Die beiden Werke werden in einer Plexiglasvitrine präsentiert.

Komposition 2004

Mischtechnik auf Leinwand, auf Karton aufgetragen. Auf der Rückseite Signatur, Titel und Datum des Werkes. Nach einer anfänglichen Phase im figurativen Stil fand der Mailänder Maler Mario Arlati bald eine neue Dimension, die für sein gesamtes Werk charakteristisch werden sollte. Auf Ibiza, wo er seit den 1970er Jahren oft lebt, entdeckte und machte er sich die materielle Ungezwungenheit der spanischen Schule zu eigen, die, verschmolzen mit der wilden Dimension der Insel, Werke von großer Konsequenz zum Leben erweckt, in denen der Künstler arbeitet bewegt das Material im wahrsten Sinne des Wortes: Schnittwunden, Kratzer, Schichtungen, Farben, aber auch Energie, Geste, Emotionen, Poesie. Arlatis Material ist eine Darstellung seiner intimen Seele, bestehend aus Gefühlen, Emotionen und Erinnerungen an die Landschaft. Das Werk ist in einer Plexiglasvitrine montiert

Infinitesimi 6, 2005

Fotodruck auf Aluminium und Plexiglas. Auf der Rückseite sind die Signatur, der Titel und die Seriennummer 1/5 in das Aluminium eingraviert. Ebenfalls vorhanden ist ein Etikett der Italian Photography Gallery mit den vollständigen Daten des Werkes. Der aus Lukanien stammende, aber in Mailand lebende Künstler, der zunächst für die Schwarz-Weiß-Fotografie bekannt war, begann zu Beginn des 21. Jahrhunderts einen neuen Weg der Farbforschung. Dazu gehört die 2005 in der Mailänder Fotogalerie geschaffene Einzelausstellung mit dem Titel Aspiration, über die es hieß: „Keine Erzählung, keine erkennbare Realität, nur Evokationen, die durch das Verdunsten von Farben in vielen verstreuten Wolken entstehen: mehr Malerei als.“ Fotografie". Die hier vorgestellte Arbeit gehört zu diesem Trend.

Suspensionsstudie 1992

Mischtechnik auf Papier. Titel, aber unten lesbar; auf der Rückseite Künstlerstempel mit Unterschrift, Datum und Titel (Pour poissons – Studio Suspension). Caccioni, ein in Bologna geborener, ausgebildeter und noch immer lebender Künstler, ist einer der Protagonisten einer Generation, die nun eine endgültige sprachliche Reife erreicht hat und einen wichtigen Platz im zeitgenössischen Kunstpanorama einnimmt. In seiner Forschung verwendet er vor allem ungewöhnliche Materialien wie Acetate, PVC und in jüngerer Zeit auch szenische Hintergründe aus Theaterstücken des 19. Jahrhunderts, in die er eingreift, indem er Formen malt, die seiner persönlichen Erinnerung und Vorschlägen aus verschiedenen Kulturen und historischen Epochen entnommen sind. Ein wiederkehrendes Element im Werk von Luca Caccioni ist das Schreiben, ein selbstbedeutendes Zeichen, das das Werk gestaltet und in der Lage ist, Gedanken zu erzählen; Durch Überlagerung entstehen die Bilder durch Addition oder Subtraktion von Farben auf den verschiedenen Trägern. Im Rahmen arbeiten.

Vis à Vis 1963

Mischtechnik (Marker, Aquarell) auf Papier. unten rechts signiert und datiert. Jean Cocteau war ein vielseitiger Künstler: Schriftsteller, Dramatiker, Dramatiker, er beschäftigte sich auch mit bildender Kunst und experimentierte gerne mit allen Avantgarden seines Jahrhunderts. Cocteau veröffentlichte sein erstes Buch mit Zeichnungen im Jahr 1923, im Alter von nur 36 Jahren. Darin porträtierte der Dichter seine Freunde Raymond Radiguet, Pablo Picasso, Erik Satie, Francis Poulenc, aber auch zahlreiche Szenen des Pariser Alltags, Nijinskis russische Ballette, Allegorien, Karikaturen, poetische Bilder. Cocteau erweist sich als talentierter Zeichner, vor allem aber als Künstler, der in der Lage ist, das Wesentliche von Gesichtern, Verhaltensweisen und menschlichen Schwächen einzufangen. In seiner Bildproduktion taucht das Thema des Gesichts wieder auf, oder besser gesagt der Gesichter, oft zwei einander gegenüberstehende Profile. 1962 vollendete der Künstler die Schaffung des Freilichttheaters in Cap d'Ail an der französischen Mittelmeerküste, dessen Boden mit diesem Motiv verziert ist: zwei einander zugewandte Gesichter mit griechischem Profil, dazwischen ein Auge; Das Thema wurde dann von ihm in der folgenden Zeit – und zwar in der Zeit kurz vor seinem plötzlichen Tod – mit verschiedenen Variationen erneut vorgeschlagen. In der hier präsentierten Zeichnung finden wir die beiden griechischen Profile, getrennt durch das dritte Auge, aber auch durch zwei gedrehte Schlangen, während in der Zeichnung des Theaters Blätter zu sehen sind. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Der Engel des Todes 1979

Öl auf Holzbrett. Unten links signiert und datiert. Zusätzliche Signatur, Datum und Titel auf der Rückseite. Angelo Peraticis künstlerisches Schaffen ist geprägt von dem Wunsch nach Ausdrucksfreiheit, der sich bei der Darstellung der Realität auf seine leidenschaftliche Fantasie stützt. Ausgehend von diesem angeborenen Drang, die Realität zu verändern, hat sich seine Kunst in einen mühsamen Forschungsprozess verwandelt, der mit metaphorischen und visionären, manchmal grotesken, exzentrischen Bildern fruchtbar ist, die wir insbesondere in der Produktion der frühen 1980er Jahre entstehen sehen.

Ohne Titel

Öl auf Linoleum, mit folierten Styroporapplikationen. Auf der Rückseite signiert. Mit einer Authentifizierung des Aldo Mondino-Archivs. Der vielseitige Turiner Künstler Aldo Mondino hat seine künstlerische Forschung durch kontinuierliche Metamorphosen zum Ausdruck gebracht, die seine Produktion polymorph gemacht haben: ein unaufhörlicher Versuch, eine persönliche Antwort auf die Veränderungen zu finden, die in den Siebzigerjahren stattfanden, und zu versuchen, die Geschichte der Kunst mit Bildern koexistieren zu lassen von Massenkonsum, persönlichen Fantasien, Religion, Klassizismus, Mystik, Reisen in den Osten, Freunden und Kitsch. Sein hartnäckiger Drang, mit Materialien zu experimentieren – wie Kaffee, Süßigkeiten, Zucker, Schokoladenschmelzen aus seinem geliebten Piemont, aus Amerika importierten Marshmallows, Bronze, Blumen, streng blauem Bic, Keramik und Heraklit-Teppichen – zeigt seine Fähigkeit, Kunst, Handwerkskunst, Gemeinsames Leben, Natur und Religion in einen Dialog bringen. Alles gewürzt mit dem Einsatz von Ironie, um Konventionen mit Anmut zu entlarven. In den 1980er Jahren unternahm Aldo Mondino eine Reise zwischen Marokko und Palästina, die ihn so sehr prägte, dass daraus die Werkreihe der Derwische entstand, tanzende Motive auf Linoleum, die den für die türkische Tradition charakteristischen rituellen Tanz praktizieren durch die Ausführung flüssiger und kreisender Bewegungen. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Entenflug

Bronzeskulptur. Auf dem Sockel eingravierte Signatur. Gino Masciarelli, ein ursprünglich aus den Abruzzen stammender Bildhauer, der in der Gegend von Mailand lebte, nachdem er auch am Experimentellen Zentrum für wissenschaftliche Forschung „F. Marinotti“ in der Lombardei, der sich mit Hochfrequenz-Filmaufnahmen beschäftigte, lernte in vielen seiner Arbeiten, die Instabilität von Körpern in Bewegung und die Auflösung von Materie im Raum einzufangen. In den Skulpturen „Menschengruppen“ und „Flüge“, zu denen das hier vorgestellte Werk gehört, lässt sich die Dynamik des Fluges fast wie in einer fotografischen Sequenz beobachten. Der Künstler selbst sagte: „Auf 300 Metern Film haben nur 8 Sekunden Eindruck gemacht, das Ziel war es, das zu verlangsamen, was das menschliche Auge nicht sehen kann, ich wollte die Bewegung einfangen und die Projektion dieser Sekunden dauerte ein paar Stunden.“ .

Landschaft mit Sonne

Fresko auf Leinwand. Unten rechts signiert. Weitere Signatur und Technik auf der Rückseite. Die im informellen emilianischen Naturalismus angesiedelte Malerei von Bruno Saetti zeichnet sich durch eine ausgeprägte Liebe zum Bildmaterial aus, das reich und konsistent, pastös und gärend, aber auch offen für die Modulationen der Lichtschwingung ist. Seine Serie von „Fresken“ mit der Sonne als dominierendem Thema ist reichhaltig, wie in diesem Werk, das eine große helle Sonne auf einem ziegelroten Hintergrund über einer unbestimmten Landschaft zeigt, in der oben rechts nur eine Basilika zu erkennen ist . Wenn Saettis emilianische Herkunft in den warmen Tönen der roten Ziegel und im sehr eigenartigen Geschmack des Materials (dem Lieblingsfresko) deutlich wird, so ist bei ihm andererseits die venezianische Kontamination erkennbar (Saetti lebte lange Zeit in Venedig). Verweilen in der Farbe, in ihren leuchtenden Schwingungen, im Gefühl des staunenden Staunens über den Raum. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Der Holzfäller 1980

Öl auf Glas. Unten links befinden sich die Signatur und das Datum sowie das Symbol des Künstlers, die stilisierte Figur eines Mannes im Rollstuhl. Es handelt sich um eine Glasarbeit des Malers Mario Previ, der seit seinem achtzehnten Lebensjahr aufgrund einer Tetraplegie infolge eines Sturzes in sein Taro im Rollstuhl lebt und malt. Er sagte über sich selbst: „Die Welt, der Lauf der Zeit, aus dieser Sicht (der Rollstuhl) lehren viele Dinge. Man lernt, jeden Morgen mit einem Ziel aufzuwachen, auch wenn der Körper Schmerzen hat, wenn jede Geste erzeugt.“ Leiden, Abhängigkeit von anderen und Aufgeben könnten eine einfache Lösung sein. Und stattdessen geben mir die Kunst, die Malerei und die Gelassenheit meiner Welt, der Freunde, unglaubliche Energie und geben mir die Kraft zum Leben. Im Jahr 1974, drei Jahre nach dem Unfall, begann Previ, inspiriert durch eine Fernsehsendung über jugoslawische naive Maler, insbesondere durch die Arbeiten auf Glas von Mijo Kovacic, als Autodidakt zu malen und die Kunst des Malens auf Glas zu erlernen, bis er um sich durch seine Bilder bekannt und geschätzt zu machen. In seinen Naivitäten erzählt Mario Previ eine Realität, die fast verschwunden ist, echte Geschichten, wenn auch in einem märchenhaften Ton, er lässt verlorene Traditionen wieder aufleben, Lebensabschnitte, die anderen Generationen gehörten, denen der bäuerlichen Zivilisation (aus der er auch stammt), aber Was aus seinen Visionen am stärksten hervortritt, sind die „forë“, jene, die einst in den „firossi“ zu hören waren, den traditionellen Abenden der Weiler von Parma, an denen man sich traf, um Anekdoten, Geschichten und historische Kuriositäten zu erzählen, oft vor dem Kamin Feuer, wenn es draußen kalt war und schneite. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Das Lagerfeuer unter dem Schnee, 1979

Öl auf Glas. Unten rechts befinden sich die Signatur und das Datum sowie das Symbol des Künstlers, die stilisierte Figur eines Mannes im Rollstuhl. Es handelt sich um eine Glasarbeit des Malers Mario Previ, der seit seinem achtzehnten Lebensjahr aufgrund einer Tetraplegie infolge eines Sturzes in sein Taro im Rollstuhl lebt und malt. Er sagte über sich selbst: „Die Welt, der Lauf der Zeit, aus dieser Sicht (der Rollstuhl) lehren viele Dinge. Man lernt, jeden Morgen mit einem Ziel aufzuwachen, auch wenn der Körper Schmerzen hat, wenn jede Geste erzeugt.“ Leiden, Abhängigkeit von anderen und Aufgeben könnten eine einfache Lösung sein. Und stattdessen geben mir die Kunst, die Malerei und die Gelassenheit meiner Welt, der Freunde, unglaubliche Energie und geben mir die Kraft zum Leben. Im Jahr 1974, drei Jahre nach dem Unfall, begann Previ, inspiriert durch eine Fernsehsendung über jugoslawische naive Maler, insbesondere durch die Arbeiten auf Glas von Mijo Kovacic, als Autodidakt zu malen und die Kunst des Malens auf Glas zu erlernen, bis er um sich durch seine Bilder bekannt und geschätzt zu machen. In seinen Naivitäten erzählt Mario Previ eine Realität, die fast verschwunden ist, echte Geschichten, wenn auch in einem märchenhaften Ton, er lässt verlorene Traditionen wieder aufleben, Lebensabschnitte, die anderen Generationen gehörten, denen der bäuerlichen Zivilisation (aus der er auch stammt), aber Was aus seinen Visionen am stärksten hervortritt, sind die „forë“, jene, die einst in den „firossi“ zu hören waren, den traditionellen Abenden der Weiler von Parma, an denen man sich traf, um Anekdoten, Geschichten und historische Kuriositäten zu erzählen, oft vor dem Kamin Feuer, wenn es draußen kalt war und schneite. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Weibliche Figur 1977

Mischtechnik auf Papier. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite die eigenhändige Widmung des Künstlers mit Datum. Liberatore verwendet verschiedene Bildtechniken und bevorzugt menschliche Figuren, insbesondere weibliche Figuren, oder rauchende Züge, die in geheimnisvollen Bahnhöfen abfahren. Seine Bilder von Frauen werden mit sinnlichen Gesichtern und Haltungen dargestellt und oft von besonderen Hüten eingerahmt. Kritiker haben Fausto Maria Liberatores Gemälde als Kunst aus Realismus und Mysterium definiert. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Sestante 14 1989

Farbsiebdruck auf Papier. Unten rechts mit Bleistift signiert, nummeriert n. IV/XV unten links. Es liegt eine Foto-Authentifizierung des Kunsthauses „Il borghetto“ in Mailand bei. Das Werk war Teil der Serie „Sestante“, bestehend aus 16 verschiedenen Siebdrucken. 1982 schuf Alberto Burri Sestante, einen großen Zyklus aus siebzehn Cellotexen und einer Eisenskulptur, der von Mai bis September des folgenden Jahres in den Räumlichkeiten der ehemaligen Giudecca-Werft in Venedig ausgestellt wurde. Die Anspielung auf das alte nautische Instrument, mit dem Reisende die Position eines bestimmten Punktes im Verhältnis zum Horizont ermittelten, ist eine Hommage an das maritime Schicksal Venedigs. Die Gemälde sind Burris x-te Herausforderung: In ihrer Kombination bilden die Formen und Farben des „Sextanten“ einen unerschöpflichen Kreislauf, in dem es nicht die geringste Wiederholung gibt. Innerhalb desselben Gemäldes oder in der Gegenüberstellung der einen zum anderen ermöglicht das Kaleidoskop der Formen die Koexistenz quadratischer und krummliniger Strukturen zusammen mit großen chromatischen Hintergründen und dichten visuellen Mustern. 1989 schlug der Künstler den Zyklus erneut als grafisches Werk vor und schuf die Serie „Sestante“. Der Kunsthistoriker Bruno Corà sagte: „Wenn man bei Burri von Grafiken spricht, bedeutet das nicht, dass man von einer im Vergleich zu Gemälden geringeren Produktion spricht, sondern nur von einer anderen und parallelen künstlerischen Modalität in Konzeption und Ausführung, kurz gesagt, dass man dazu in der Lage ist.“ neben all seinen anderen revolutionären innovativen Äußerungen von absoluter Bedeutung in das Schaffen des großen Malers einbezogen werden. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

Öl auf Sperrholz

Charles Moody (1979), Öl auf Sperrholz. Signiert auf der Rückseite. Die Arbeit wurde in der Einzelausstellung "Grenzland" an der Galerie 8 in Mailand Corso Venezia, ausgestellt, wie das Papier auf der Rückseite Lable belegt. Charles Moody absolvierte im Jahr 2003 am Art Institute of Boston, und nach drei Jahren in Mailand, wählt in New York leben. In seiner Kunst ist der Fokus bei der Verhandlung (Konzeptkunst, Prozesskunst) statt auf den Bildinhalt und es in diesem Schrott ist, dass die Malerei vom Feinsten. Eine Kunst, die durch die Genehmigung von Fernsehbildern (fast nie Filme) und vor allem aus beliebten Seifenopern erstellt wurde. Moody's Arbeit geht über die Massenmedien Bild durch Anpassen der Auswahl für besondere Bilder, die aus seiner Sicht eine potenzielle Erzählung bieten; Bilder des Übergangs, sind Momente des Übergangs von einer Szene zur nächsten. Der Künstler verwendet eine manuelle Ölgemälde, um die geringe Qualität des TV-Bildes preist die "Unschärfe" der Unschärfe zu reproduzieren. Wir sind einen Verlust der räumlichen Dimension in eine Zeitlichkeit verwechselt-diffuse-immaterielle konfrontiert, die schwierig ist, die Grenzen ("Grenzland") zu erkennen. Diese wahrnehmbare Verzerrungen führen, in welcher Zeit weitet erweitert, jedes Gemälde stellt eine "Indiscernibilità" in denen die Anerkennung des Objekts, die zweite nimmt Platz. Die Moody ist Chronik, Geschichte aber Aussetzung. (Von "Charles Moody, Borderland", kuratiert von Gianni Romano, Ausstellung Katalog, CorsoVeneziaOtto, November-Dezember 2009)

Weiblicher Akt

Ölgemälde auf Leinwand. Unten links signiert. Mino Maccaris künstlerisches Schaffen zielt vor allem auf soziale und politische Satire ab, die vor allem in der Zeichnung zum Ausdruck kommt; darüber hinaus positionierte er sich nie als Richter italienischer Bräuche, sondern vielmehr als amüsanter und amüsanter Chronist der Laster und Schwächen der Gesellschaft. In seinem malerischen Schaffen weicht er zwar nicht allzu sehr von den Themen seiner Zeichnungen ab, betont aber den phantastischen Aspekt stärker: Mit schnellen und entschiedenen Pinselstrichen und leuchtenden, oft heftigen Farben charakterisiert er fast unwirkliche oder eher karikaturistische Figuren. Das Werk wird in einem Rahmen präsentiert.

St. Georg 1992

Öl auf dem Tisch. Unten rechts signiert. Auf der Rückseite in kyrillischer Schrift stehen der Titel, das Datum und der Ort in Bergamo. Der litauische Künstler, der derzeit zwischen Moskau, Italien und Großbritannien lebt und arbeitet, gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen russischen Künstler. In seiner großen Produktion finden sich Landschaften, Stillleben, viele Porträts berühmter Persönlichkeiten und seine surrealen Kompositionen, Ausdruck seiner eigentümlichen "Traumvision" der Realität. Auch in dieser Tabelle, wenn auch im Stil traditioneller Ikonen, wird die Darstellung des berühmten Heiligen Georg in einer surrealen Tonart vorgeschlagen, die sich auf De Chirico bezieht, wo eine Gans den Drachen ersetzt, der Kopf des Heiligen ein Ei ist, in umreißen da sie Zahlen von Zauber ..... eine deutlich unorthodoxe Interpretation sind! Das Brett hat einen vertikalen Schlitz. Die Arbeit wird in einem Rahmen präsentiert.

Platon und Aristotel

Gemischte Medien auf Leinwand. Unterschrift, Titel, Datum und Engagement auf der Rückseite. Paolo Baratella, ein kürzlich verstorbener Künstler aus Ferrara, entwickelte seine Kunst, indem er riesige Bildzyklen komponierte, die von zeitgenössischen Themen inspiriert wurden. Wir haben daher eine Reihe von Werken von ihm, die sich unter bedeutenden Titeln versammelt haben. Ab Mitte der 1980er Jahre und bis in die 2000er Jahre wurden seine szenografischen Apparate mehr mit kulturellen, bildlichen und wörtlichen ikonografischen Referenzen angereichert. Insbesondere Baratella achtet der Ikonographie von Kunst, Philosophie und Geschichte mehr. In diesem Werk präsentiert der Künstler die Porträts der beiden großen griechischen Philosophen (stammt aus ihren traditionellen klassischen Darstellungen) und schattiert sie in einem Rahmen von rosa-blauen Farben. Die beiden einzelnen Leinwände werden nebeneinander in einem bearbeiteten Holzrahmen platziert, auf dessen zwei horizontale Kreuzungen die Wörter "Timaeus", ein von Platon geschriebenes Werk, und "Ethik", ein wiederkehrendes Thema der aristotelischen Philosophie, eingraviert sind.

Weibliche Figur 1993

Polychrome Bronzeskulptur auf Steinsockel. Signatur und Datum auf der Basis. Guido Lodigiani, ein immer noch aktiver Mailänder Bildhauer und leidenschaftlicher Lehrer an der Brera-Akademie, sagte über seine Kunst: „Ich glaube, dass der Künstler dazu berufen ist, die Wurzel menschlicher Erfahrung zu zeigen und auf diese Weise immer noch zu begeistern.“ Und die Wurzel der Existenz, ihr Schoß, ist die Frau, die Lodigiani als die Frau der Verkündigung betrachtet, als Ausdruck der ruhelosen und innigen Spannung gegenüber dem Geheimnis der Schöpfung. Lodigianis Skulptur extrahiert die Form wie aus dem Mutterleib, ausgehend von einem ursprünglichen Kern der Materie, in dem sie Hohlräume und Spannungen freilegt. Diese plastische Spannung kommt in dieser nackten weiblichen Figur gut zum Ausdruck, die sitzt, aber verdreht ist, als hätte sie es gerade getan entstand aus der undeutlichen Materie und strebte nach oben, zum Leben, zum Licht.

Mädchen im Sessel

Terrakotta-Skulptur. Unten rechts signiert. Marco Cornini, ein Mailänder Künstler, der an der Brera-Akademie ausgebildet wurde, arbeitet hauptsächlich mit Terrakotta, mit der er in Momenten menschliche Figuren schafft, sowohl männliche als auch weibliche, Männer und Frauen, oder besser noch Jungen und Mädchen mehr oder weniger derselben Generation ihre Intimität, oft als Paar, aber auch einzeln, mit sentimentalen, erotischen und leidenschaftlichen Werten. Hier sehen wir eine nackte Frau, die in einem Sessel in einem Raum sitzt, in einer Haltung inniger Verzweiflung.

Eule 1994

Flachrelief aus Bronze. Signiert unten links, oben rechts die Initialen AG. Auf der Rückseite der Platte stehen Name, Titel und Datum des Werks. Achille Guzzardella, ein Mailänder Bildhauer und Maler, ist vor allem für seine plastischen Porträts bekannter Persönlichkeiten der italienischen Kunstwelt bekannt. Unter anderem porträtierte er Vittorio Sgarbi, der ihn als "Kämpfer aus Ton" und auch als "Achille, der mit seiner Seele malt" bezeichnete. Eklektisch und raffiniert hat er auch andere Sujets geschaffen und dabei verschiedene Techniken verwendet. Oneirisch in seiner Ölmalerei und immer nah am Menschen in seinem bildhauerischen Werk, fasziniert Guzzardella die Kunstliebhaber mit seiner Konkretheit, die durch seine persönliche formale Forschung zum Ausdruck kommt.