Personnage Brisant l'Épée, 1916

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Œuvre de jeunesse du célèbre artiste, elle dessine un personnage qui, sur fond de ville, brise son épée : l'homme, dont les traits iconographiques et la tunique font référence à l'imagerie de la figure de Jésus, avec son geste semble je veux inviter la paix. Le peintre et graveur génois Alberto Helios Gagliardo, outre une importante production de paysages et de portraits, dont beaucoup dans une tonalité symboliste, comprend également plusieurs œuvres à contenu religieux, mythologique ou symbolique. L'œuvre est présentée dans un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. Madeleine est représentée ici langoureusement allongée sur un lit de paille, nue, ses longs cheveux dénoués recouvrant partiellement ses épaules et ses seins, et son corps caché par un drap bleu ; la Sainte a également l'intention de lire un texte sacré avec le Crucifix placé devant elle, tandis que de petits anges planent au-dessus de sa tête. Selon la tradition, le sacré et le profane se mélangent donc dans sa figure : le souvenir de sa vie de pécheresse et les symboles sacrés de sa conversion. La scène se déroule à l’intérieur d’une grotte sombre, avec un jet d’eau qui s’écoule du rocher à droite, formant un bassin. Le tableau présente des signes de restauration et de regarnissage antérieurs.

Paysage de Montagne avec Lac, 1863

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à gauche. Le noble peintre prussien Stanislas Eduard von Kalckreuth s'est distingué par la réalisation de paysages de montagne, en particulier de vues incluant les petits plans d'eau sur les sommets des montagnes. Cette œuvre a déjà été vendue aux enchères publiques à Munich. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre d'époque.

Mozart et Aloysia Weber 1885

Peinture à l'huile sur toile. Signé et daté en bas à droite. Au dos se trouve un cartouche vintage avec le titre "Mozart et Aloysia, son premier amour". Aloysia Weber (1760 -1839), soprano allemande bien connue, fut dans sa jeunesse une élève de Mozart (1756 -1791) qui était légèrement plus âgé qu'elle et, selon les rumeurs, le compositeur serait tombé amoureux d'elle mais sans l'être. réciproque. Mozart composa une série d'airs pour la jeune femme qu'il aimait entre 1778 et 1788 (le nom de Mozart apparaît sur la partition placée sur l'épinette), mais il ne reçut jamais de réciprocité et épousa par la suite Constance, la sœur cadette d'Aloysia. Le tableau montre donc un moment de la leçon de chant, avec Mozart assis à l'épinette corrigeant la jeune fille debout avec la partition à la main ; selon les bonnes pratiques, la mère est présente dans la salle et supervise le cours pendant qu'elle coud. Le tableau a été proposé aux enchères Dorotheum à Salzbourg en 2007. Restauré et rentoilé, il est présenté dans un cadre doré du début des années 1900. La peinture

Tête de Jeune Fille, 1972

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Au dos se trouve une étiquette de la galerie d'art Ponte Rosso de Milan, avec le titre et la date de l'œuvre. Il existe également un cachet notarié pour l'authentification. Leonardo Spreafico, de Monza, faisait partie du groupe artistique "Garibaldi 89", formé en 1930, un partenariat d'artistes de Milan et des provinces voisines, qui, en regardant l'avant-garde européenne, ont contribué au renouveau de l'art italien. Peintre de paysages mais aussi de personnages, Spreafico grâce à son sens aigu de la couleur, propose dans ses œuvres une allégorie onirique du quotidien, qui devient ensoleillée grâce à l'utilisation de tons et de couleurs insolites, mais toujours en harmonie les unes avec les autres. Dans le cadre.

Raisins, figues, grenades et pêches sur un chapiteau

Huile sur toile. Signée « Max. PF. » sur le cadre supérieur du chapiteau. La nature morte se compose de raisins, de grenades et de pêches posés sur un chapiteau. Un plateau d'argent figure également dans la composition ; à l'arrière-plan se trouve un paysage avec des arbres et des ruines ; à gauche, on aperçoit un ciel céruléen, à peine voilé par des nuages. Maximilian Pfeiler s'est fait connaître par ses natures mortes dans lesquelles il plaçait un fragment d'architecture à l'arrière-plan des fleurs et des fruits, introduisant déjà le goût pour les ruines antiques qui s'affirmera pleinement au XVIIIe siècle. Le tableau a été retouché et restauré (petits repeints). Il est présenté dans un cadre de style.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole d'Europe centrale du début des années 1900. signature non déchiffrée (J. Auer ?) et datée en bas à gauche. Grande composition au caractère antique, située dans une demeure seigneuriale, en raison de la richesse des éléments d'ameublement qu'elle représente. Le homard au centre et le lièvre à droite se détachent, posés sur une table richement chargée de fruits et d'ustensiles variés. Parmi ceux-ci se trouvent la théière en métal estampé avec la tasse à thé en céramique peinte et le support de coupe à fruits réalisé avec des éléments de la faune, près duquel se trouve un moineau en quête de nourriture. Au fond à droite un tableau représentant une figure féminine. Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Le grand paysage représente une étendue de campagne boisée, traversée par un ruisseau, à proximité de collines. Sur le chemin au-delà du ruisseau, une petite silhouette de voyageur qui s'éloigne. L'élément naturaliste domine également dans les couleurs, avec une vaste gamme de verts et de bruns, que l'on retrouve également dans le ruisseau comme reflets des plantes. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre doré du début des années 1900.

Le Violoniste

Huile sur toile. Signé en bas à gauche. L'artiste milanais, fils du célèbre peintre Alcide Davide Campestrini, se consacre à la nature morte, à la peinture de figures et aux paysages alpins, avec une technique liée à l'école de son père et à la tradition de la fin du XIXe siècle. tableau présenté dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. La scène se déroule à l'intérieur d'une ferme populaire : devant la grande cheminée, où une grande marmite bout au-dessus du feu, une femme est assise avec un enfant dans les bras, tandis que deux autres femmes attendent sur le seuil, regardant dehors, avec l'assiette. dans leurs mains, et un autre enfant mange sa soupe assis sur aucun tabouret. La scène est dominée par des couleurs terreuses, avec un seul aperçu de lumière entrant depuis le seuil, encadrant un ciel bleu-blanc. Le tableau est présenté dans un cadre doré contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le Saint, au premier plan, est représenté à genoux, adorant le Crucifix qu'il tient d'une main, tandis que l'autre pointe vers le bas le crâne, le traditionnel "Memento mori". Le personnage est placé à l'intérieur d'une grotte, de l'ouverture de laquelle on peut apercevoir un paysage aride et stérile ; la lumière entre par un trou dans la roche et rayonne linéairement sur la Croix pour atteindre le visage du Saint. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Signature non identifiée en bas à gauche. Grand paysage de forêt aux couleurs chaudes d'automne, qui se reflète dans l'étang au premier plan, formant un contrepoint bleu au ciel au-dessus. La toile présente de petites déchirures. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. Le sujet, récurrent dans la peinture des XVIIe et XVIIIe siècles en raison de la composante mystique mais en même temps sensuelle de cette sainte, représente Madeleine dans le désert, enveloppée dans ses longs cheveux dénoués et un drapé, tandis qu'à genoux elle médite sur le crâne. , le traditionnel Memento mori, tenant un sac à la main ; Au-dessus d'elle se trouve un ange tenant à la main le pot de pommade, autre attribut du saint, dont il s'apprête à oindre l'épaule, en signe de consécration à Dieu. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre contemporain.

Paysage de Montagne

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le peintre milanais Gino Federici s'est spécialisé dans les vues alpines, comme dans cette vue, où au premier plan un troupeau de moutons boit l'eau d'un ruisseau, dans la large vallée, sous des sommets abrupts. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain. Il présente des signes d'une restauration antérieure.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Peinture à l'huile sur toile. La Madone tient dans ses bras l'Enfant Jésus et tous deux tiennent la couronne du chapelet, invitation à la dévotion mariale. Au-dessus, des anges apparaissent du ciel ouvert. Le tableau a été préalablement restauré et rentoilé ; quelques petites gouttes de couleur sur les bords. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La scène biblique représente la Sainte Famille avec Marie assise sur l'âne, Jésus nouveau-né dans ses bras et Joseph tirant l'animal, alors qu'ils fuient Nazareth en direction de l'Égypte pour échapper à la persécution d'Hérode. Quelques petits anges planent au-dessus d'eux. Les regards des anges, Joseph et Marie convergent tendrement vers l'Enfant. En arrière-plan un paysage nordique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.