Huile sur toile. La scène présente un groupe de personnages, principalement des femmes, traversant un petit pont sur un canal de la ville, évoquant Venise ou Chioggia. Ce qui est particulier, c'est que toutes les femmes portent un voile blanc sur la tête ; à gauche un personnage masculin porte un fez rouge : il pourrait s'agir d'un groupe de femmes allant à la messe dans la cité lagunaire. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La grande scène représente Marie, déjà Assomption au ciel et soutenue sur les nuages ​​par de petits anges, recevant la couronne de la Sainte Trinité. Ce couronnement exprime l'apothéose de Marie, qui en devenant « Reine du Ciel » devient l'intermédiaire entre la terre, l'Humanité, et le Ciel, la Divinité : ce qui n'est pas donné à l'homme de voir devient possible à travers Marie qui dans cette glorification est plus que toujours le fil tenace qui nous lie au Tout-Puissant, la véritable « porte du ciel », telle que la définissent les Pères de l'Église. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre du début du XXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le Saint, au premier plan, est représenté à genoux, adorant le Crucifix qu'il tient d'une main, tandis que l'autre pointe vers le bas le crâne, le traditionnel "Memento mori". Le personnage est placé à l'intérieur d'une grotte, de l'ouverture de laquelle on peut apercevoir un paysage aride et stérile ; la lumière entre par un trou dans la roche et rayonne linéairement sur la Croix pour atteindre le visage du Saint. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre en bois du XIXème siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le sujet, récurrent dans la peinture des XVIIe et XVIIIe siècles en raison de la composante mystique mais en même temps sensuelle de cette sainte, représente Madeleine dans le désert, enveloppée dans ses longs cheveux dénoués et un drapé, tandis qu'à genoux elle médite sur le crâne. , le traditionnel Memento mori, tenant un sac à la main ; Au-dessus d'elle se trouve un ange tenant à la main le pot de pommade, autre attribut du saint, dont il s'apprête à oindre l'épaule, en signe de consécration à Dieu. L'œuvre, restaurée et rentoilée, est présentée dans un cadre contemporain.

Paysage de Montagne

Peinture à l'huile sur toile. Signé en bas à gauche. Le peintre milanais Gino Federici s'est spécialisé dans les vues alpines, comme dans cette vue, où au premier plan un troupeau de moutons boit l'eau d'un ruisseau, dans la large vallée, sous des sommets abrupts. Le tableau est présenté dans un cadre contemporain. Il présente des signes d'une restauration antérieure.

Paysage avec ruines et personnages

Huile sur toile. Au centre du paysage développé verticalement se trouve une imposante structure architecturale en ruine, envahie par les mauvaises herbes et présentée dans des couleurs et des traits nuancés, comme pour souligner son délabrement. Devant, au premier plan et bien délimitées, quelques figures de bergers au repos, tandis que des vaches paissent : un berger joue de la flûte, le deuxième, assis et appuyé sur son bâton, observe le troisième, qui, nu, est en train de se laver, langoureusement étendu sur la rive du point d'eau. À gauche, on aperçoit des pics rocheux, gris sous un ciel naissant. Le tableau, restauré et restauré, est présenté dans un cadre en lattis.

Peinture à l'huile sur toile. Ecole vénitienne du XVIIIe siècle. Le portrait propose la figure d'une jeune femme vêtue d'une robe de tous les jours, mais agrémentée de bords de fourrure tachetée ; curieusement, avec le bras levé, elle exhibe un manchon de fourrure replié sur une main, probablement une habitude pour souligner une mode de l'époque. Le tableau présente des signes de restauration, avec conservation de la toile d'origine, bien que remonté sur un châssis neuf. Il est présenté dans un cadre ovale contemporain, mais surmonté d'une frise en bois ajoutée ultérieurement.

Peinture à l'huile sur toile. La Madone tient dans ses bras l'Enfant Jésus et tous deux tiennent la couronne du chapelet, invitation à la dévotion mariale. Au-dessus, des anges apparaissent du ciel ouvert. Le tableau a été préalablement restauré et rentoilé ; quelques petites gouttes de couleur sur les bords. Il est présenté dans un cadre contemporain.

Peinture à l'huile sur toile. La scène biblique représente la Sainte Famille avec Marie assise sur l'âne, Jésus nouveau-né dans ses bras et Joseph tirant l'animal, alors qu'ils fuient Nazareth en direction de l'Égypte pour échapper à la persécution d'Hérode. Quelques petits anges planent au-dessus d'eux. Les regards des anges, Joseph et Marie convergent tendrement vers l'Enfant. En arrière-plan un paysage nordique. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. École centrale italienne du XVIIe siècle. Selon la tradition iconographique, également dans ce tableau, l'ange gardien est représenté comme un jeune homme ailé qui accompagne un enfant le long d'un tronçon de route, indiquant le ciel comme destination du voyage. Le personnage ailé se détache et domine la scène, vif par ses couleurs, puissant par la force physique qu'il dégage, quoique doux dans son attitude délicatement protectrice envers l'enfant, dont le petit personnage est enveloppé dans les membres de son tuteur. La scène est enfermée dans une guirlande de fleurs vives et colorées, qui donnent de la couleur aux personnages, par ailleurs placés dans un paysage sombre et presque monochrome. La représentation de personnages, principalement religieux, enfermés dans des cadres floraux, a connu un grand développement surtout à Rome, liée à des noms tels que Giovanni Stanchi (1608 -1675), plutôt que Mario Nuzzi dit Mario de' Fiori (1603 -1673), et d'autres. . Le tableau, restauré et rentoilé, est présenté dans un cadre en bande.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. La composition florale panachée et multiforme, développée verticalement, est placée à l'intérieur d'un vase reposant sur un socle sur lequel reposent également quelques fruits. Le fond est noir, pour faire ressortir les couleurs vives des fleurs. Sur la première toile, le tableau présente de petites gouttes de couleur largement répandues et une fissure assez forte. Il est présenté dans un cadre élégant.

Peinture à l'huile sur toile. École d'Europe centrale du XVIIIe siècle. Un paysage fluvial est proposé à proximité d'un village, avec un petit pont au centre qui traverse le cours d'eau, et peuplé de nombreux personnages populaires, aux caractéristiques typiquement nord-européennes en raison de leurs traits charnus et de leurs expressions rusées et curieuses. Ils s';adonnent à des activités quotidiennes liées à la pêche : au centre un homme expose sa prise à un couple, garantissant, par le geste de son bras, sa nouvelle origine ; devant lui, un enfant renverse un bac rempli de poissons et de serpents d'eau tandis qu'un autre pêcheur, plus en arrière, vend également ses marchandises. Deux autres hommes, debout dans l'eau, remontent leurs filets ; Une bergère passe sur le pont avec son enfant et sa chèvre. w assise au premier plan à droite, une femme observe la scène. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. Non signé, on trouve au dos du cadre une étiquette avec attribution à Ferdinand II Wagner (1847 -1927), peintre allemand apprécié pour la peinture décorative. Le grand tableau offre, selon un goût ancien, un aperçu d'un marché urbain dans un village nordique, avec des personnages en vêtements flamands du XVIIe siècle. La partie centrale est occupée par un étal rempli de fruits et légumes : à gauche, la vendeuse, assise avec la charpente suspendue au-dessus d'elle, négocie avec le couple d'acheteurs de droite, avec l'intention de tester la qualité des produits. Le tableau est présenté dans un cadre d'époque.

Peinture à l'huile sur toile. En bas à droite signé Borella et daté 1894. Il s'agit probablement de Rafael Borella (1874 -1953), peintre né et formé à Milan mais s'est ensuite installé en Uruguay. Sa première production italienne comprend des paysages vénitiens et valdôtains. Ce tableau, qui offre une vue sur la montagne, avec des prairies traversées par un ruisseau près duquel est assis un pêcheur. La scène pourrait donc être une production juvénile de Borella, qui lui conviendrait en termes de sujet et de style. L'œuvre est présentée dans un cadre contemporain.

Huile sur toile. École vénitienne de la fin du XVIIIe siècle. Le grand tableau raconte l'épisode évangélique de la rencontre entre sainte Élisabeth, enceinte de Jean-Baptiste, et Marie, qui attend Jésus, mais inséré dans une scène chorale plus vaste. Il se déroule sur un large escalier, probablement celui du temple où Zacharie, l'époux d'Élisabeth, était prêtre, et est animé par une foule de personnages, dont plusieurs femmes accompagnées d'enfants et de familles. Au premier plan, à gauche, se trouve un personnage avec un jeune garçon attaché à ses jambes : regardant vers le spectateur, il indique d'un large geste du bras l'événement central, la rencontre entre les deux saintes femmes. Les couleurs, qui, selon la tradition de la peinture vénitienne, sont les éléments de base des scènes, soulignant les figures et se dégradant en différents plans tridimensionnels, sont remarquables. Retintée et restaurée, la toile présente une légère cassure sur la gauche. Elle est présentée dans un cadre doré de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. Le vaste paysage présente une vue sur un lac de montagne, au bord duquel se trouvent quelques cabanes ; les forêts de conifères forment la toile de fond, créant le contraste chromatique entre le bleu du ciel et celui de l'eau. Le tableau présente une petite déchirure dans la toile au centre. C'est dans un cadre de style.

Peinture à l'huile sur toile. Le grand tableau rappelle les méthodes picturales du XVIIe siècle mais est d'une période plus tardive et a été réalisé sur une toile appliquée sur une toile plus ancienne. La scène raconte l'épisode biblique (tiré du Livre des Rois) largement narré en images, représentant le bain de Bethsabée, l'épouse du général Urie, au service du roi David. Selon le récit biblique, David est sur la terrasse de son palais lorsqu'il aperçoit la femme se baignant dans le jardin de sa maison, entourée de ses servantes. Davide tombe amoureux d'elle et la séduit, la rendant enceinte. Pour cacher le crime, il rappelle du front le général Uriah, pour le faire coucher avec sa femme, mais Uriah ne veut pas abandonner ses soldats ; puis David l'envoie combattre en première ligne en espérant qu'il sera tué : cela arrive et David peut épouser Bethsabée, mais il sera puni par Dieu pour l'adultère et l'impiété commis. Le tableau montre le moment où Bethsabée, à peine sortie de la salle de bains, alors qu'elle se reflète dans le miroir tenu par une esclave et entourée d'autres servantes, lit le message que le roi David lui a envoyé ; cette dernière apparaît en haut à droite, donnant sur la terrasse. La scène est dominée par des figures féminines entrelacées les unes dans les autres, dans un enchevêtrement de vêtements et de tissus, et entourées de fleurs du jardin ; au centre se trouve le miroir dans un riche cadre doré. Le tableau présente une tache en bas à droite. Il est présenté dans un cadre doré ancien.

Le Jugement Dernier

Peinture à l'huile sur toile. L'œuvre est probablement la peinture préparatoire et de présentation au client de la fresque réalisée par Moretti Larese pour la voûte de l'église de Volpago del Montello (Trévise), dédiée à Santa Maria Maddalena. Le Jugement dernier décrit le Ciel sur les nuages, rassemblés autour du Christ assis sur le trône du juge. En arrière-plan se compose l'image trinitaire, avec Dieu le Père en vol et la colombe du Saint-Esprit, parmi les chœurs des anges et des anciens de l'Apocalypse. Le Christ juge est flanqué de sa mère Marie, dans le rôle d'intercesseur, et des quatre évangélistes qui ont entre les mains les Évangiles dont ils sont les auteurs et aux côtés des symboles traditionnels. Les saints de l'Ancien Testament sont alignés sur les côtés (David avec la harpe, Moïse avec les tables de la loi, Jean-Baptiste avec la croix de procession) et les apôtres Pierre (avec les clés) et Paul (avec l'épée de martyre). La terrasse en contrebas est occupée par les autres apôtres (André avec la croix) et les saints. Les trois Vertus de Foi, d'Espérance et de Charité, avec leurs symboles, montrent aux ressuscités la croix du sacrifice de Jésus. L'ange au haut-de-forme réveille les morts et leur montre le juge. L'archange Michel, avec son épée flamboyante et sa balance à double plateau, décide du sort individuel des ressuscités. En bas, les élus (y compris les mères avec leurs enfants) montent au ciel avec l'aide des anges. Les damnés finissent dans les flammes de l’Enfer. Le tableau présente des traces évidentes du dessin au crayon sous-jacent et, par rapport à la fresque définitive, quelques petites différences dans les postures de certains personnages et surtout dans les couleurs non définitives. Moretti Largese était surtout apprécié comme décorateur d'édifices publics et privés, mais il créa également quelques fresques religieuses. Le tableau est présenté dans un cadre de la fin du XIXe siècle.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIIème siècle. Le tableau représente la mort de saint Joseph qui, selon les évangiles apocryphes, s'est produite assistée de Marie et de Jésus : le mourant repose en effet sur son lit d'agonie, soutenu affectueusement par son fils putatif Jésus et son épouse Marie, tandis que plusieurs anges assister, soit au pied du lit, soit d'en haut là où le ciel s'ouvre déjà pour accueillir l'âme du saint. La mort de Joseph est considérée comme la forme la plus désirable et la plus paisible de la mort, de la vieillesse, dans son lit et entouré de ses proches, et c'est pour cette raison que le Saint est considéré comme le saint patron des mourants et de la douce mort. Restauré et rentoilé, le tableau est présenté avec un cadre.

Peinture à l'huile sur toile. École italienne du XVIIème siècle. Le Saint est représenté dans son bureau, occupé à lire et à étudier les textes sacrés, mais en costume pénitentiel, c'est-à-dire vêtu uniquement d'un tissu rouge drapé autour de son corps nu. Le tableau, regarni, présente une fissure importante ; Il est placé dans un cadre contemporain en bois doré.